No pienso tirar predicciones de todas las categorías, voy a jugar nomás con los pesos pesados. Aclaro además que con "predicción" intuyo un posible ganador, que puede no tener nada que ver con mi preferencia en esa categroria.
Año complicado, ya que no parece haber ganadores claros. Vamos a ver como me va. Si el resultado es desastroso es culpa de la Academia que no entiende nada, por favor no dejen de visitar mi blog...
Mejor actor:
George Clooney (The Descendants)
Mejor actor de reparto:
Max Von Sydow (Extremely Loud and Incredibly Close
Steven Spielberg (Schindler´s List, Saving Private Ryan) ya contribuyó de forma más que valiosa a la filmografía sobre la Segunda Guerra Mundial. Con War Horse, el director debuta en el terreno de la Primera Guerra y haciendo honor a su reputación, lo hace combinando a la perfección todos los ingredientes de los que dispone
War Horse es la historia de Albert Narracott (Jeremy Irvine) y su caballo Joey, a quien el joven ha entrenado para ayudar en las tareas de la granja de sus padres. Iniciada la guerra y para afrontar sus dificultades económicas, el padre de Albert (Peter Mullan) vende a Joey al ejercito, dando inicio al viaje que los reencontrará (o no) en el marco del conflicto.
Spielberg realiza una fuerte apuesta dándole absoluta centralidad al personaje del caballo, el definitivo protagonista del film. Sin tratarse de una de esas películas en que al animal se le confiere algún tipo de cualidad o habilidad más propias de un ser humano, el tratamiento fílmico es tal que no deja dudas al respecto del "alma" del caballo (puesto que "humanidad" no sería la palabra adecuada). Así es que el director dedica a Joey los mismos primeros planos, movimientos de cámara y cuidados que dedicaría a cualquiera de sus protagonistas humanos.
De esta manera Spielberg se permite una lectura fantástica de este conflicto bélico, puesto que permite definir los "bandos" en tanto su relación con Joey y no desde una óptica "territorial". Frente a la nobleza y pureza del animal, el "bien y el mal" solo pueden asociarse a personas y acciones concretas y no a intenciones políticas de un país u otro, pero yendo mucho más allá que un simple posicionamiento en cuanto a la violencia animal: Spielberg habla de la condición humana en el horror de la guerra. No interesa ya ser inglés, francés o alemán, sino quien es cada uno por dentro. En la escena quizás más "irreal" del film, un soldado inglés y un soldado alemán trabajan en conjunto para liberar a Joey de unos alambrados, antes de volver cada uno a su trinchera. ¿Es poco probable que una cosa así sucediera en el campo de batalla? Probablemente, pero para Spielberg resulta mucho más importante dejar en evidencia su lectura esperanzadora de la humanidad frente a uno de sus momentos más oscuros, porque ese es Steven Spielberg, el eterno esperanzador del cine, y consigue de esa forma convertir un encuentro imposible en un momento hermoso en la pantalla.
War Horse es por último, un film "fuera de su tiempo", que recuerda necesariamente a las viejas épicas de la campiña norteamericana que el cine nos regalara en abundancia varias décadas atrás. Esa sensación es en gran medida transmitida por la elección de Spielberg de usar solo cuando es absolutamente necesaria la computadora, volviendo luego de un tiempo a su estilo de rodaje más rústico (soy de los que cree que no existe otra persona que pueda rodar escenas de batalla al nivel de Spielberg). Pero también apoyándose en sus eternos colaboradores: la fotografía del gran Janusz Kaminski es sublime, combinando las texturas marcadas con algo que solo podría equipararse al viejo Technicolor, y la música original de la leyenda viviente, John Williams, hacen de este film una hermosa reconstrucción de época y una historia de ternura ideal para ser contada por Steven Spielberg.
Ayer golpeaba un poquito a la Academia, pero es justo reconocer que cada tanto le aciertan. Así que en este pequeño ranking comparto las mejores decisiones de la Academia en términos de "mejor película" a mi gusto:
5. Rebecca (1940)
No le reconocieron a Hitchcock ser el mejor director, pero la fuerza de Rebecca era imposible de negar. Sin duda la mejor película de ese año
4. Schindler´s list (La lista de Schindler, 1993)
La contundencia de este film en todos y cada uno de sus aspectos dejaban en claro lo que la Academia ya no podía seguir negando: Steven Spielberg es un maestro del cine, y si antes no había sido visto, Schindler´s list era una patada en la cara a quien quisiera negarlo. Una obra de arte
3. Gladiator (Gladiador, 2000)
Recuerdo sentir PÁNICO la noche de esta entrega de premios, pensando que podía llegar a ganar la estatuilla la amiga Erin Brokovich. No sabía si el horno estaba para épicas. Una de mis películas favoritas
2. Unforgiven (Los Imperdonables, 1992)
Después de construir las leyendas y mitos de los Estados Unidos durante años como actor y director, Clint Eastwood se atrevió a dar un salto cualitativo y comenzar a reflexionar y preguntarse sobre los mismos. El inicio fue Unforgiven, una hermosa deconstrucción del western, y el comienzo de lo mejor de Eastwood como director
1. The Godfather Part II (El Padrino parte II, 1974)
¿Segundas partes nunca fueron buenas? Quien inventó esa línea probablemente no vio esta película. Uno de los debates más acalorados entre los cinéfilos desde siempre: ¿es esta película mejor que la primera parte? Sin negar que The Godfather (1972) es una de las mejores películas de la historia, yo me posiciono entre los que creen que su sucesora es aún mejor. El de Michael Corleone (Al Pacino) es uno de los mejores estudios de personaje jamás realizados en cualquier medio narrativo, contrapuesto a los hermosos flashbacks de su padre Vito (Robert De Niro) en su llegada a los Estados Unidos.
Única vez en la historia que una secuela se lleva este premio (Lord of the Rings no cuenta porque es una obra única concebida como tal, y no como secuela). Por algo fue...
83 películas en la historia del cine tienen el título de "mejor película" a criterio de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Pero ¿cuántas quedaron por el camino?
La que sigue es una lista de las cinco injusticias más grandes cometidas por la Academia, a mi juicio por supuesto. Podría haber hecho una lista de aciertos, quizás mañana, pero hoy me siento contracultural... ¡Acá van!
1. Jaws (Tiburón, 1975)
ganadora ese año: One flew over the cukoo´s nest (Atrapado sin salida)
El tiempo se encargó de poner las cosas en su lugar y de reconocer que además de ser la película que dio origen al blockbuster, Jaws es una obra maestra. Tristemente, en el 75 parecía imposible tomar en serio a un joven debutante Steven Spielberg. Hoy visita constantemente las listas de las diez mejores películas de todos los tiempos. (Y no, esto no tiene nada que ver con que sea la película que vi más veces en mi vida)
2. Goodfellas (Buenos Muchachos, 1990)
ganadora ese año: Dances with wolves (Danza con lobos)
Kevin Costner comandando un grupo de indios contra Martin Scorsese comandando a Ray Liotta, Joe Pesci y Robert De Niro. Creo que no hace falta ni que lo explique...
3. The Shawshank Redemption (Sueños de libertad, 1994)
ganadora ese año: Forrest Gump
"La vida es como una caja de chocolates. Nunca sabes lo que te va a tocar" o "Get busy living or get busy dying". Hasta las taglines son mejores. Si hubiese ganado Pulp Fiction capaz que me calentaba un poco menos
4. Saving Private Ryan (Rescatando al Soldado Ryan, 1998)
ganadora ese año: Shakespeare in love (Shakespeare apasionado)
Sin palabras...
5. Inception (El origen, 2010)
ganadora ese año: The King´s speech (El discurso del Rey)
Nolan es el Spielberg del siglo XXI, y como tal, le toca sufrir lo mismo. Ojalá dentro de 30 años los amigos de la Academia entiendan la verdadera magnitud de una película como esta...
Bonus track:
Psycho (Psicosis,1960) - no fue nominada
ganadora ese año: The Apartment (Piso de soltero)
Podría haber sido cualquier otra del maestro Hitch. Es casi que un ejemplo de como opera la Academia. Hitchcock, Nolan, Spielberg...todos directores considerados irrelevantes, hasta que el tiempo o alguna fuerza superior hace que estos amigos se den fuerte en la cabeza y vean lo que tienen delante. Con suerte, llegan a tiempo para corregirlo...
El nombre de Martin Scorsese (Taxi Driver, Goodfellas, Shutter Island) se liga inmediatamente en
nuestro imaginario al bajo mundo de Nueva York, a las historias de inmigrantes
italianos en los Estados Unidos, a Robert De Niro y a un mundo de brutal
violencia. Es por eso que la noticia de que Scorsese se disponía a realizar una
película familiar en formato 3D debe haber levantado más de una ceja, si no
reprobatoria, al menos confundida. Aún dándole el beneficio de la duda a quien
en definitiva es uno de los mejores y más consistentes directores de los últimos
40 años, es poco probable que ninguno de nosotros imaginara que Hugo sería una de las películas más
maravillosas de los últimos tiempos.
Basado en la novela de Brian Selznick, La invención de Hugo Cabret, Hugo
es, en cierta medida, la historia de Hugo Cabret (Asa Butterfield) , un niño huérfano
que vive escondido en los muros de la estación de Montparnasse del Paris de los
años 30. Allí se encarga de reparar y mantener funcionando los relojes, talento
que heredara de su padre (Jude Law), de quien solo conserva una libreta con
diseños y un autómata, una especie de robot que intentaban reparar juntos antes
de que su padre muriera.
El gran deseo de Hugo es el de hacer funcionar al autómata, esperando encontrar en él, un último mensaje de su padre. En su afán, Hugo roba piezas mecánicas hasta toparse con un anciano dueño de una tienda de juguetes (el gran Ben Kingsley) que lo descubre y le quita la libreta con los diseños. Con la ayuda de Isabelle (Chloë Grace Moretz), la ahijada del viejo juguetero, amante de los libros y de las aventuras, Hugo intentará recuperar su libreta mientras comienza a descubrir el pasado secreto de Papa Georges (Kingsley) en un viaje que lo llevará a recorrer la historia de la máquina de sueños: el cine.
Scorsese en un maestro de la técnica y la estética, y su debut en el uso del 3D no tiene nada que envidiarle a películas como Avatar (2009), pero más que un maestro del cine, está película está hecha por un enamorado del cine. Y es que Hugo no es otra cosa que una carta de amor al séptimo arte, un homenaje de uno de sus principales exponentes a uno de sus más grandes amores. No hay un cuadro que no destelle un poco de magia fílmica: el hermoso recorrido por la obra de George Méliès (el primer "mago" del cine), los homenajes y guiños a cientos de momentos en la historia de la gran pantalla. Hasta los personajes que rondan la estación de trenes parecen ser sacados de idearios del cine clásico. Para un hombre que lucha desde hace más de dos décadas por la preservación de la obra cinematográfica, este film tan alejado de su campo de juego habitual, es sin embargo uno de sus trabajos más personales, y el afecto puesto en el mismo no puede hacer otra cosa que contagiarnos, conozcamos o no la historia del cine.
Méliès señala en un momento que el cine es "la máquina de hacer sueños", y un artefacto con esas características no puede estar exento de magia. Más de cien años de historia han permitido al cine evolucionar, cientifizarse, crecer en perfección tecnológica, y aún así, continuar siendo magia. No hay otra palabra que lo describa: magia. Martin Scorsese lo entendió a la perfección y nos regaló una obra maestra que atestigua ese poder. Tiene mis fichas para convertirse en uno de los clásicos de toda la historia fílmica
“El paraíso se puede ir a la mierda”. Es al menos el
sentimiento predominante de Matt King (George Clooney) al inicio de The Descendants. Su esposa está en un
coma del que no va a despertar y dejó
explicito su deseo de que se la desconecte de las máquinas. Sus hijas le
resultan prácticamente desconocidas debido a sus ausencias y le corresponde
ahora asumir su rol como padre. Sobre su mesa de trabajo está la decisión de
vender el último resquicio de tierra virgen de Hawaii a poderosas
corporaciones, y si algo llegara a faltar, descubre que su mujer le era infiel
antes del accidente que la dejara al borde de la muerte.
Frente a ese panorama, parece lógico que King sienta (y
explicite al público en un voice-over) que la vida en Hawaii no es todo playa,
palmeras y agua de coco. Este es el punto de partida del director Alexander
Payne (Election, About Schmidt) para
adaptar la novela de Kaui Hart Hemmings y acompañar al personaje de Clooney en el
viaje de encontrar al amante de su esposa mientras se esmera por ser un padre
para sus hijas y decide que hacer con respecto a la tierra. ¿Parece mucho? Lo
es, y es quizás el principal problema que presenta The Descendants: al plantear tanta problemática en un tiempo tan
acotado, se vuelve necesario priorizar algún aspecto sobre los otros, dejando a
suertes algunas de estas líneas argumentales. Así, mientras que el aspecto de
la paternidad de King está muy bien logrado, potenciado sobre todo por la
actuación de Shailene Woodley y Amara Miller (Alexandra y Scottie King respectivamente);
llegado el momento del clímax sobre la venta de la tierra, la inconexión se
hace evidente: el espectador no ha invertido tiempo afectivo en esa materia y
cualquiera sea la decisión que tome Matt King, resulta intrascendente.
El tono del film puede jugarle en contra a la premisa
inicial sobre la vida en Hawaii. Si bien Payne suele jugar con soltura en la línea
entre la comedia y el drama definiendo un punto intermedio desde el que se
posiciona, en The Descendants la
música, el vestuario y la locación le confieren al film un clima “light” y
despreocupado. No es una falla, por el contrario creo que la película se
beneficia de ello, pero si puede ser una contradicción con la que aparentaba ser
la intencionalidad principal en los primeros minutos.
El punto más fuerte de The
Descendants son sus actuaciones, aunque no sea la de Clooney la que se
destaca a mi juicio. Woodley y Miller están geniales como las hijas de King, y
muestran gran versatilidad en el pasaje veloz de drama a comedia que el film
les exige, más aún si se considera su corta edad. Nick Krause se roba gran
parte de las sonrisas interpretando a Sid, el “amigo” confidente de Alexandra. Robert
Forster es siempre una adición bienvenida a cualquier elenco, y quien sorprende
gratamente es Matthew Lillard interpretando con total sutileza a Brian Speer,
el amante de Liz King.
Voy a confesar que no soy un fan de Clooney. Creo que una
parte de mi nunca lo perdonó por el aborto fílmico que es Batman & Robin (1997), pero no es ese mi motivo de
disconformidad. Clooney parece elegir sus roles después de agarrarle el gustito
al Oscar con Syriana (2005), pero deseando el de actor principal. Y en ese
deseo, la elección de interpretar a Matt King es astuta, pero el rol mismo deja
en evidencia los lugares en los que Clooney es más flojo como interprete. Quizás
por la propia personalidad sociable del actor, resulta claro que Clooney
trabaja mucho mejor en conjunto, rodeado de otros actores, y es por eso que sus
mejores momentos en The Descendants ocurren en escenas de grupo, con sus hijas,
primos…Pero cuando el peso recae exclusivamente sobre sus hombros, la actuación
se debilita (que no es “mala” por eso) y deja una imagen global de una
interpretación con altibajos
Día de los enamorados (o "de San Valentín" como parece que hay que decirle ahora) y los portales de cine y entretenimientos parecen encargarse de publicar todas las listas posibles de las "mejores películas de amor" de todos los tiempos. Bueno, estimados lectores: aquí va la pequeña lista de recomendaciones de mi blog, un poco diferente a lo habitual quizás, pero el que avisa no traiciona...
4. Rocky (1976)
Si: Rocky. Aunque el inconsciente colectivo nos recuerda a Rocky como una serie de películas de acción/deporte protagonizada por Sylvester Stallone y un ruso gigante, el original dirigido por John G. Avildsen tiene una de las historias de amor más tiernamente desarrolladas en la gran pantalla. El primer beso entre Rocky y Adrian posiblemente sea uno de los mejores besos de la historia del cine. Y si todo eso falla: 15 rounds de boxeo contra Apollo Creed.
3. (500) Days of Summer (500 días con ella, 2009)
¿Una película romántica? NO: una película SOBRE el amor, y las formas inexplicables en las que opera o deja de operar.El inicio del film no deja lugar a dudas: "Esta es una historia de:chico conoce chica, pero NO ES una historia de amor" Las relaciones no tienen siempre finales felices, pero con una banda sonora que incluye a los Smiths y a los Pixies se hacen mucho más llevaderas de ver en cine
2. Casablanca (1942)
Bien, esta sí es una película "de rankings" en el día de los enamorados, pero imposible dejarla por fuera. Rick e Ilsa son los amantes condenados por excelencia en el cine y es posible que cada historia de amor que les siguió haya intentado capturar aunque sea una mínima fracción de la química entre Humprhrey Bogart e Ingrid Bergman. Fundamental para entender todas y cada una de las relaciones fílmicas que le siguieron. Mirala de nuevo, Sam.
1. Die Hard (Duro de matar, 1988)
Y en primer lugar: ¡Die Hard! Hollywood nos mostró durante más de un siglo el prototipo del principe azul, el hombre perfecto, el Mr. Darcy, el Noah...bueno, estimados lectores, permítanme que les explique: ir eliminando uno a uno a un grupo de terroristas, rescatar a un grupo de rehenes, hacer explotar un piso entero de un edificio para que tu mujer te perdone y te deje pasar con ella la Navidad, y encima hacerlo descalzo...ESO es amor, y que me desmientan. John McClane, sos el hombre más tierno de la historia del cine. Yipee Kay-Yay, motherfuckers...
En apenas tres días continúa en USA la segunda temporada de The Walking Dead. Cinco para que la emita FOX en América del Sur, y aunque parece poco, queda en el medio un eterno fin de semana cargando expectativa. Así que para que no se expriman el cerebro (¡ja!) buscando material para ver, aquí están mis cinco películas de zombies predilectas...¡buen apocalípsis para todos!
5. 28 Days Later (Exterminio, 2002) Podría discutirse si debe ser o no catalogada como película de zombies, precisamente porque los contagiados no calzan con la definición más cerrada del zombie, pero no nos engañemos: Danny Boyle creó una joyita del género que no palidece por la ausencia de comecerebros más estructurados
4. The Evil Dead (Diabólico, 1981) ¡El zombie viejo! ¡el original! Nada de epidemias y contagios: Sam Raimi nos regala al viejo y querido zombie místico reanimado por fuerzas oscuras. Muy bajo presupuesto, muy alto nivel de tensión. Una joyita, pero sepanlo...es dura de ver en serio
3. Shaun of the Dead (Muertos de Risa, 2004)
¿Quién dice que tengo que morir del pánico cada vez que veo películas de zombies? Shaun of the Dead es una joyita del humor que demuestra absoluto respeto y fidelidad por las convenciones del género. Lo lamento Zombieland, pero no tenés nada que hacer al lado de esto
2. Dawn of the Dead (El Amanecer de los Muertos, 1978)
Secuela de su obra maestra "Night of the Living Dead", "Dawn of the Dead" es la oportunidad de Romero de aniquilar el límite de lo mostrable en cine, y de hacerlo a su vez reflexionando con absoluta seriedad sobre las dinámicas destructivas de una creciente sociedad de consumo. De lo mejorcito del cine de terror
1. Night of the Living Dead (La Noche de los Muertos Vivientes, 1968)
Sin ser de ningún modo la primer película "de zombies", esta es la que lo inició todo. Más de cuarenta años después, podemos agregar zombies, sangre, terror, lo que sea...nada podrá igualar jamás el "feeling" de este film. La quintaesencia del cine de zombies...
Gracias por leer, son un público maravilloso Gonza
